Après le passage de l’homme sur la terre, il ne reste que ruines et désolation. Les animaux ont disparu et l’héroïne d’After Us doit tenter de retrouver leurs âmes.

After Us fait penser dès les premières secondes à un Journey qui se passerait après la fin de Inside, quand il ne resterait plus grand-chose de son monde sombre et dystopique. On y incarne Gaia, une jeune fille blonde éthérée, qui fait repousser l’herbe et les plantes partout où elle passe. Son but est de retrouver l’âme d’animaux éteints pour les ramener à la vie.

Cette fille se déplace un peu comme le personnage de Journey, dans un glissement, un survol quelques centimètres au-dessus du décor. Le monde post apocalyptique qui l’entoure défie nos lois de la physique, des objets de toutes sortes flottent dans l’air et ajoutent une dimension de plate-forme au jeu. En dehors de la glisse, Gaia maîtrise très vite les sauts et les dashs qui permettent de gravir les premiers éléments. Au fur et à mesure de la progression, d’autres compétences entrent en jeu, comme la grimpe. Le monde étant semi-ouvert, on se retrouve malheureusement vite bloqués, à tenter en vain de passer une plate-forme alors qu’on n’a pas encore la compétence pour, tout en ne sachant pas qu’on l’acquerra un peu plus tard (ce jeu n’est pas un Metroidvania, mais par certains aspects il me rappelle ce que je n’aime pas dans ces jeux).

Gaia doit tout au long de sa progression découvrir 100 petites âmes cachées dans le décor, représentées par des sphères lumineuses. Son chant pouvant servir d’indice et disperser dans l’air de petits points incandescents qui flottent dans leur direction. Elle attrape alors ces âmes en projetant son cœur vers elles. A la fin de chaque monde, un animal mort git au sol, dans un halo bleuté. Elle le resuscite, avant de passer au monde suivant.

Assez enthousiaste au début, pour son côté sombre, surréaliste, ses décors immenses et son gameplay très plate-forme, j’ai fini par trouver qu’After Us tournait malheureusement en rond et devenait un peu lassant. Si de nouvelles compétences tentent de varier le gameplay, elles n’y réussissent pas totalement sur la grosse dizaine d’heures du jeu. Certaines phases de combat avec des dévoreurs, des ennemis mi-humains mi-monstres, cassent le coté onirique du jeu et n’apportent pas grand-chose. Le message écologique est aussi un peu trop premier degré.

Néanmoins, After Us est vraiment très beau, son surréalisme rattrape en partie ses défauts, sans oublier quelques fulgurances d’esthétisme et de game design.

Cet article a été initialement publié sur polygamer.com.

Vous venez de terminer la série The Last of Us et vous vous demandez à quel jeu jouer ? Vous avez déjà joué il y a 10 ans à la version PS3 ? Vous ne connaissez pas The Last of Us ?

La récente sortie du remake PlayStation 5 de The Last of Us part I est l’occasion de répondre à toutes ces questions, et surtout de rejouer à ce jeu incroyable.

Vous n’avez jamais joué à The Last of Us ni regardé la série HBO ?

C’est un cas hautement improbable, si vous êtes ici, mais tout de même imaginable. Pour résumer rapidement, The Last of Us est au départ un jeu d’action/aventure dans un monde post apocalyptique, infesté de zombies (en réalité des humains infectés par un champignon, le fameux Cordyceps, mais vous visualiserez sans doute mieux si nous parlons de zombies). Le premier jeu est sorti en 2013 sur PlayStation 3, puis rapidement sur PlayStation 4, et enfin en remake sur PlayStation 5 en 2022. Le second volet de l’aventure Part II est sorti en 2020. Ces deux jeux ont été élevés au rang de chefs-d’œuvre, par la qualité de leur écriture, et l’impact qu’ils ont eu sur les joueurs.

La première saison de la série HBO reprend l’histoire du premier jeu, à la fois assez fidèlement et avec de nombreux ajouts très intelligents, comme des développements de personnages secondaires. Le DLC « Left Behind » est aussi présent dans la série.

Si vous n’avez ni joué, ni vu la série, et que vous hésitez sur l’ordre, tout va dépendre du temps que vous avez à consacrer à cette expérience en compagnie du gentil champignon Cordyceps. Le jeu nécessite entre quinze et vingt heures, la série moins de dix heures. L’un va inévitablement spoiler l’autre, sans que ce soit vraiment gênant. Commencez par ce qui vous tente le plus et laissez-vous emporter dans cette histoire.

Vous venez de terminer la série HBO et vous voulez jouer à The Last of Us ?

Si l’univers vous a envouté au point de vouloir découvrir les jeux, nous recommandons bien sûr de les faire dans l’ordre. Commencez par le Part I qui vient d’être superbement réédité en version PS5, comme vous pourrez le lire plus bas, puis enchainez avec le Part II qui est mémorable, marquant.

Vous avez déjà joué aux deux jeux et hésitez sur le remake PlayStation 5 ?

Si vous avez déjà joué, que vous avez regardé la série, et que vous vous posez la question, c’est que vous êtes suffisamment fan et que vous avez sans doute déjà la réponse. Oui, cette nouvelle version apporte énormément de plaisir, même si les décors tellement marquants du jeu font remonter immédiatement les souvenirs. A chaque porte ouverte sur un paysage, tout revient en tête et on sait presque déjà par où passer, même tant d’années plus tard.

The Last of Us Part I sur PlayStation 5

Cette nouvelle version est le cœur de cet article. En préambule, je dois avouer que je suis un inconditionnel de ces deux jeux. Le premier volet m’avait beaucoup plu, il correspondait exactement à ce que j’aime. Mais c’est surtout le second qui m’avait marqué, j’avais même écrit un article, The Last of Us Part II, un jeu inoubliable, bourré de spoils, que je concluais par « un jeu monumental et mémorable qui fera date », c’est dire.

A l’occasion de la série HBO, je me suis replongé dans cet univers (que je n’avais d’ailleurs jamais réellement quitté, à réécouter régulièrement la Bande Originale du Part II et à en avoir des frissons). J’ai simultanément lancé le remake du premier jeu, en étant tantôt en avance sur la sérié, tantôt en retard.

Cette version est à la fois superbe sur ses décors extérieurs, sublimée par les effets de lumière et de reflets sur les bâtiments ou dans les flaques d’eau. La végétation, les arbres, les détails des immeubles semblent avoir été beaucoup retravaillés. Mais elle est aussi moins marquante sur les décors intérieurs quand ils sont sombres, qui donnent presque l’impression de jouer à la version PS4. Les visages ont été grandement améliorés, même si la motion capture des comédiens est un peu raide. Cela dit, le charme fait son effet dès la séquence de prologue.

Naughty Dog annonce que l’I.A des ennemis et des PNJ a été énormément améliorée. Je n’ai pas souvenir de problème sur la version précédente, mais mes attentes n’étaient sans doute pas les mêmes il y a 7 ans. Néanmoins, avant de lire ces informations communiquées par le studio, j’ai plusieurs fois été surpris par le comportement des adversaires, très naturel. Alors que j’étais furtif, j’ai remarqué qu’un personnage me cherchait et qu’il montait sur le toit d’un camion pour accéder au toit d’un bâtiment proche, pour voir si j’étais là, avant de redescendre. Les déplacements de mes partenaires, comme Ellie, sont aussi assez naturels et ils se cachent beaucoup mieux des ennemis, même si ce n’est pas encore parfait.

L’interface du jeu a été retravaillée, pour s’approcher de celle de la Part II. La partie crafting est par exemple beaucoup plus agréable. De très nombreux paramètres d’accessibilité sont présents, que l’on retrouve de plus en plus dans les jeux First party de Sony. La Dualsense est évidemment gérée, les retours haptiques sont présents avec finesse, la lumière de la manette reflète notre état de santé, du vert au rouge.

Mais au-delà de toutes ces considérations techniques, graphiques, ce jeu est un formidable récit, toujours aussi poignant. L’évolution des relations des personnages reste l’élément clé du jeu, tout autant qu’il y a 9 ou 10 ans, et n’a jamais vieilli. Le remake n’avait pas besoin d’en faire plus. Que ce soit une découverte ou une redécouverte, l’histoire est toujours incroyablement forte.

A la relecture, je me rends compte que je n’ai pas parlé des infectés, ou si peu. Les claqueurs qui tuent en un coup sont toujours présents, leurs bruits provoquent les mêmes sensations, effrayantes. L’infiltration est toujours indispensable, au risque de manquer de munitions.

Un jeu d’action à la troisième personne qui sublime le genre. Encore et toujours, définitivement même.

Cet article a été initialement publié sur polygamer.com.

Entre l’Antarctique et le Cambridge des années 60, cette petite merveille ultra narrative arrive enfin sur consoles.

Il aura fallu deux ans pour que ce jeu passe de l’Apple Arcade aux consoles et PC, deux longues années à le surveiller, tant il avait l’air surprenant. Par son style graphique tout d’abord, ses aplats pastels, son animation, sa fausse douceur. Et par son thème aussi, que l’on pouvait entrevoir dans les différents trailers.

Peter, universitaire à Cambridge, part en Antarctique pour une mission scientifique en plein guerre froide, le continent est partagé entre les nations opposées. Son avion s’écrase et il doit trouver de l’aide. L’histoire alterne alors les scènes dans la neige et son passé en Angleterre, dans une succession de flashbacks présentés avec des match cuts, des transitions très esthétiques. Quand Peter ouvre la porte de l’abri d’une base scientifique sous la neige, il se retrouve projeté dans son passé de jeune professeur Anglais, au moment où il ouvrait la porte de son bureau. Mais au-delà de ce personnage, c’est le joueur lui-même qui se sent projeté, qui passe d’une scène à l’autre, d’une époque à l’autre, pour incarner de plus en plus Peter. À la survie du pôle Sud s’oppose ses études, sa rencontre avec Clara, un autre personnage important de l’histoire, ses collègues, son supérieur. La période est aux luttes politiques, sociétales, à la place des femmes dans ce milieu universitaire sexiste.

Comme dans tout jeu narratif, le joueur peut décider de l’orientation des dialogues. Mais plutôt que d’avoir le choix entre différentes phrases, South of the Circle présente des « émotions », cinq pictos qui vont de l’inquiétude à l’enthousiasme. Le choix d’une des émotions va poursuivre la discussion, avec une fluidité bien plus immersive que des choix de phrases pré-affichées. Certaines décisions vont avoir un impact sur l’histoire, mais d’une manière très surprenante qui ne peut être comprise qu’à la fin des trois à quatre heures de jeu, dans un très étonnant retournement. Si la narration l’emporte sur tout le reste du gameplay, d’autres actions sont toutefois contrôlées par le joueur, comme les déplacements du personnage ou la conduite par exemple.

South of the Circle est d’une très grande finesse, sa tension, sa mélancolie, son écriture, sa fin qui provoque d’inévitables questionnements en font un excellent jeu narratif. Et son superbe style graphique colle parfaitement à son propos.

Cet article a été initialement publié sur polygamer.com.

Ce jeu de plate-forme très graphique et onirique joue sur l’alternance de deux personnages, une petite fille et son ombre.

En parallèle des gros jeux sur PS5, je prends toujours du plaisir à découvrir de petites perles sur Switch, et généralement à rebours de l’actualité. Shady Part of Me est l’une d’elles, sorti à la fin 2020, je n’y ai joué que de nombreux mois plus tard.

Dans ce mélange plate-forme et puzzle, on incarne une petite fille et son ombre, deux personnages qui ne devraient en faire qu’un mais qui sont pourtant dissociés. Toute la subtilité du jeu vient de la bascule entre ces deux personnages, leur coopération permettant de les faire progresser. L’une se déplace dans un décor en 3D, quand l’autre est sur le plan en 2D des murs. L’une a peur de la lumière et meurt quand elle y est exposée, l’autre en a besoin pour apparaître.

La difficulté du jeu vient de la conception des niveaux qui jouent en permanence avec les opposés, ombre et lumière, et les déplacements possibles. C’est le joueur qui décide de changer de personnage. Quand la fille est bloquée, son ombre peut avancer et actionner un élément, quand l’ombre est bloquée, la fille peut par exemple pousser une caisse pour changer les ombrages du décor et ouvrir un passage que son ombre empruntera.

Le décor onirique semble sorti de l’imagination de la petite fille, doux, pastel, mais quelquefois effrayant. Les perspectives sont parfois volontairement faussées pour à la fois appuyer l’étrangeté et créer des énigmes. L’histoire est sombre, mystérieuse, cryptique même, tout autant étrange que les décors. L’ambiance pourrait d’ailleurs faire penser à des jeux de Playdead. Le voyage dans les rêves et cauchemars de la fillette est là pour provoquer des sensations, tel un jeu narratif auquel on ne comprendrait pas tout, même s’il reste avant tout un jeu de plate-forme. Certaines séquences de gameplay varient néanmoins le style, pour casser la répétition. Une mention toute particulière pour la musique, très réussie.

Shady Part of Me se boucle en 6 à 7 heures, sans difficulté particulière, sauf si l’on veut récupérer la centaine d’oiseaux qui volètent dans les niveaux et ne sont pas toujours évidents à attraper. Il a été créé par le studio Douze Dixièmes et est édité par Focus. Il est disponible sur toutes les consoles et PC

Cet article a été initialement publié sur polygamer.com.

Quoi de plus fun pour les richissimes terriens exilés sur Mars que de venir jouer au golf dans les débris post apocalyptiques de la Terre ?

Je n’aurais jamais imaginé écrire un jour un article sur un jeu de golf, et encore moins sur un jeu de golf Post Apo. Et pourtant, cet improbable Golf Club Wasteland est une petite merveille en 35 parcours.

La terre en ruine est une immense décharge contaminée, sa population la plus riche s’est enfuie à Tesla City sur Mars pour survivre, mais tourne en rond sur cette lointaine planète. En fidèles Trumpistes fans de Golf, ils n’hésitent pas revenir sur terre pour taper quelques balles, vêtus de combinaisons étanches jaunes et de jetpacks.

On incarne donc un golfeur solitaire qui évolue dans ce décor bleuté et faussement inhospitalier, parmi les débris d’une civilisation perdue. Radio Nostalgia From Mars est diffusée en permanence dans nos oreilles, et alterne musiques, interviews d’auditeurs qui regrettent la terre d’avant sa chute et messages de sécurité martienne. Cette bande sonore appuie parfaitement le propos du jeu et renforce incroyablement l’ambiance.

Mais le golf n’est pas qu’un prétexte à la dénonciation politique de notre monde, il est parfaitement réalisé et très fun, tout au long des parcours en extérieur, dans les immeubles ou les sous-sols de la terre. Le gameplay très réduit ne cache pas la difficulté de certains niveaux, qui pourraient presque être du mini-golf tellement le fun prime sur le reste. La totalité des parcours se termine en trois heures, auxquelles il faut ajouter beaucoup d’entrainement pour réussir à le platiner sur PlayStation.

Initialement sorti sur mobiles, ce petit jeu s’adapte parfaitement à nos consoles et fait du bien entre deux gros jeux.

Cet article a été initialement publié sur polygamer.com.

Quand un jeu vidéo sombre croise une bd dystopique, cela donne un hybride original.

D’un parti pris graphique très poussé, Liberated donne l’impression de plonger dans les cases en noir et blanc d’une BD pour y jouer le rôle de ses protagonistes.

Dans les premières minutes de jeu, Liberated fait immanquablement penser aux jeux de Playdead, à Limbo et surtout Inside. L’univers est sombre, le personnage se déplace latéralement et tente de progresser dans son niveau, ou sa case. Mais cette inspiration disparaît dès que le personnage trouve une arme, pour se rapprocher alors des premiers Max Payne.

La page de la bande dessinée est à la fois le support de l’histoire et le cadre permanent du jeu, elle est toujours visible à l’écran et l’action se déroule dans une de ses cases zoomées. Le contenu de la case peut être fixe, animé en 2D ou dans une subtile 3D qui ne rompt pas le charme et le style. La progression scénaristique se fait visuellement de case en case, puis de page en page. Lors des flashbacks, les pages se tournent en sens inverse pour bien représenter le retour dans le temps. Dans les rares cas où le joueur peut croire influencer l’aventure, certaines cases sont sautées et restent blanches…

Les séquences s’enchaînent, entre des phases d’animation de la BD et des phases de jeux variées. Certaines se rapprochent du point and click, d’autres des TPS, des séquences en QTE ou encore des casses têtes simples. Le tir reste néanmoins la mécanique principale du jeu et les head shots permettent d’avancer bien plus rapidement que l’infiltration.

L’histoire de ce monde totalitaire qui surveille en permanence ses habitants est un alibi aux différents moments de jeu. Il est un peu cliché et l’on s’y intéresse comme à une cinématique d’un jeu classique, c’est à dire assez peu. Mais cela fonctionne malgré tout visuellement bien, surtout en jouant sur Switch en mode portable, on a l’impression d’avoir une BD animée entre les mains. Le jeu sur télé et la distance que cela induit doit sans doute faire perdre cette impression.

En dehors d’un passage de tir dans un ascenseur qui peut demander beaucoup de tentatives, surtout avec les contrôleurs d’une Switch Lite, le jeu est assez simple et se termine en quatre petites heures, une pour chaque tome des quatre BD. La fin est un peu décevante, comme dans une série qui laisserait la possibilité de faire une saison 2.

Liberated est un jeu agréable et original. Si vous accrochez autant que moi à son style graphique, n’hésitez pas.

Cet article a été initialement publié sur polygamer.com.

En plein confinement, Nintendo sort un Puzzle Game qui nous donnerait presque envie de travailler !

Votre papa est riche, très riche, il possède la plus grande entreprise de la ville. Comme vous n’avez rien fait à l’école et qu’il souhaite quand même que vous preniez sa succession un jour, il vous offre un superbe poste parfaitement taillé pour vos (in)compétences. Votre tout nouveau badge va vous ouvrir toutes les portes de la boite, pour peu que vous fassiez vos preuves.

Mais dès le premier étage, vous vous rendez compte que vous êtes beaucoup plus doué pour tout casser que pour suivre scrupuleusement les consignes de l’entreprise. Et comme personne n’a l’air de le remarquer, pourquoi vous embêter, tant que vous remplissez vos missions ?

La première tâche à réaliser, que vous pouvez d’ailleurs voir dans le trailer de Nintendo, en est l’exemple parfait. Vous devez remplacer un vidéo projecteur tombé en panne. Mais plutôt que de le déplacer de pièce en pièce et vous épuiser, pourquoi ne pas tendre un grand câble électrique entre deux murs et l’utiliser comme lance-pierre ou catapulte pour envoyer le projecteur d’un bout à l’autre des bureaux ? Vos nouveaux collègues vous féliciteront d’une telle efficacité, même si vous avez transformé les cloisons en immense open space.

Les neuf étages de l’entreprise sont autant de terrains de jeux loufoques, de la très sérieuse gestion/comptabilité en passant par l’étage piscine/cinéma, la R&D, la production, la robotique… Si on ignore le rez-de-chaussée qui sert d’introduction, chaque étage est subdivisé en quatre services, sauf les deux derniers, pour un total de 32 niveaux différents. Nous en sommes actuellement au huitième étage avons terminé le jeu et les univers sont suffisamment variés pour renouveler le jeu et ses contraintes, et donc permettre au joueur d’imaginer des solutions de plus en plus tordues et des détournements des objets de plus en plus bizarres. Et si un tuyau d’arrosage pouvait nous projeter en l’air et servir de Flyboard ?

L’ambiance visuelle colle bien au côté fun du jeu, avec sa 3D isométrique épurée et ses petits personnages tous simples mais néanmoins expressifs et réactifs à nos actions. C’est d’ailleurs souvent un plaisir de les ennuyer, d’oublier pour quelques minutes la mission et les faire tourner en rond, les recouvrir de mousse d’extincteur, ou les pousser sur des chaises à roulettes (ce qui peut parfois finalement servir à remplir une mission).

La difficulté est croissante, et l’on se rend compte à la fin de certains niveaux qu’il a parfois fallu plus de vingt minutes pour en arriver à bout. Mais les solutions ne sont jamais lassantes, ou si elles le deviennent, c’est que l’on n’a sans doute pas choisi la meilleure méthode, pourquoi déplacer un à un des dizaines de colis à livrer plutôt que de simplement déplacer l’employé qui les attend et l’amener devant la pile de colis ? Le moteur physique est très bon et plusieurs niveaux de Good Job sont basés sur le poids des objets, leur adhérence différente sur des surfaces mouillées ou glacées, et plein d’autres très bonnes idées.

Des déguisements sont disséminés dans chaque niveau, et une fois récupérés, il est possible de se balader en masque et tuba ou en combinaison de cosmonaute. Cela n’apporte pas grand-chose, ce sont juste des petites missions annexes pas forcément toujours faciles. Il existe aussi un mode multijoueur, mais nous ne l’avons pas testé, Good Job semble plus taillé comme jeu solo.

Ce jeu développé par les hollandais de Paladin Studios et annoncé par surprise lors de la conférence virtuelle Nintendo fin mars est une réussite. Il est fun, barré, original. Tout ce que j’aime…

Cet article a été initialement publié sur polygamer.com.